El Museo de Artes y Diseño (MAD) de Nueva York presenta la primera exposición colectiva en Estados Unidos dedicada al diseño contemporáneo latinoamericano. Con más de 75 diseñadores, artistas, artesanos y colectivos, Nuevos territorios: laboratorios de diseño, artesanía y arte en Latinoamérica inspecciona las colaboraciones interdisciplinarias innovadoras y las nuevas tendencias en la producción creativa que han estado ocurriendo en toda América Latina desde el año 2000. Abierta al público hasta el 6 de abril de 2015, la exposición se centra en trabajos que emanan de una serie de ciudades clave que sirven como centros culturales de algunas de las nuevas ideas más relevantes sobre el arte, el diseño y la artesanía.

Organizada por Lowery Stokes Sims y William y Mildred Lasdon –curadores en jefe de MAD–, Nuevos territorios es parte de la iniciativa Global Makers, una serie de exposiciones lanzadas en 2010 con el Proyecto África Global que destacan la creación en partes del mundo a menudo subrepresentadas en los entornos museísticos tradicionales. Nuevos territorios se organizó en conjunto con un Comité Asesor Curatorial que incluyó destacados expertos en la materia: Regine Basha, Marcella Echavarría, Susana Torruella Leval, Ana Elena Mallet, Nessia Leonzini Pope, Gabriela Rangel, Mari Carmen Ramírez y Jorge Rivas-Pérez.

Liliana Angulo Cortés (Colombia), Proyecto Pelo Quieto, 2009, 6 fotografías, vídeos, entrevistas em audio. Cortesía de la artista

Nuevos territorios toma su nombre de una frase acuñada por el arquitecto y diseñador italiano Gaetano Pesce, en referencia al estado de decisiones en la sociedad globalizada de hoy, donde las fronteras entre el arte, el diseño y la artesanía se han vuelto cada vez más borrosas. Entre las tendencias, la exposición revela el compromiso de los diseñadores y artistas de América Latina por trabajar con artesanos indígenas para preservar sus habilidades como patrimonio nacional. Muchas de estas colaboraciones dan lugar a nuevas dinámicas de trabajo frente a una amplia gama de temas de la región, desde la comercialización y la producción, hasta la urbanización, el desplazamiento y la sostenibilidad.

“Hoy en día, el diseño en América Latina manifiesta una serie de aspectos interesantes, desde las traducciones directas de habilidades artesanales tradicionales a la producción contemporánea hasta temas relacionados con suprarreciclaje y reutilización. Nuevos territorios resalta una serie de tendencias culturales y económicas apremiantes que afectan el diseño en la región, ofreciendo una plataforma para la exploración de estos temas”, afirma Lowery Stokes Sims. “Además, la exposición cuenta con muchos artistas, artesanos y diseñadores no muy conocidos en Estados Unidos, lo que permite presentar nuevos talentos a los profesionales del diseño, así como a los visitantes del museo”.

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Edgar Orlaineta (México), Totem después de Ettore Sottsas, 2013, acero, espejo, vidrio, madera tornada. Cortesía del artista y Steve Turner Contemporary, Los Ángeles

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Edgar Orlaineta (México), Máscara II (DCW) Después de Charles Eames, 2013, acero, latón, madera contrachapada de nogal curvada, madera tornada, chapa de madera, rocas, caucho, tela cambaya, cera natural, pintura acrílica, laca, hardware. Cortesía del artista y Steve Turner Contemporary, Los Ángeles

Ciudades como centros

Nuevos territorios se centra en varias ciudades de América Latina que sirven como centros culturales y laboratorios para algunas de las nuevas ideas más pertinentes sobre el arte, el diseño y la artesanía. La exposición muestra cómo las tendencias actuales se identifican con hubs regionales:

– Caracas, Venezuela (conversaciones con legados artísticos)

– São Paulo / Río de Janeiro, Brasil (suprarreciclaje y la reutilización de los objetos)

– Santiago de Chile / Buenos Aires, Argentina (cultivar la colectividad y la experimentación)

– San Salvador, El Salvador / San Juan, Puerto Rico (desarrollo de nuevos mercados)

– La Habana, Cuba (cuestionamiento de los espacios públicos y identidad)

– Ciudad de México / Oaxaca, México (llevar lo artesanal al futuro a través de colaboraciones con artistas y diseñadores)

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Pepe López (Venezuela), serie Carritos de Supermercado, 2007, video Mini DV (7 min). Cortesía del artista

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Pepe López (Venezuela), Geometrías marginales, 2014, hierro. Cortesía del artista

Conversaciones con legados artísticos

Esta sección se centra en Caracas, donde los artistas están integrando diseños en su trabajo que son fundamentales para las historias culturales y estéticas de su país de origen. En Caracas, el artista Pepe López incorpora el importante legado de arte geométrico venezolano en Geometrías marginales (2014), una instalación en la pared que aísla la geografía de los barrios más pobres de Caracas conocidas como ranchos. Del mismo modo, en Brasil, el diseñador Leo Capote hace referencia a la obra de Charles y Ray Eames y Víctor Pantone con la de pernos Tulip (2013) y la silla de pernos Panton (2013), respectivamente, hechas completamente de hardware reutilizado. Este homenaje a los iconos internacionales de diseño también se ve en las contribuciones de la artista Deborah Castillo y la diseñadora Carolina Tinoco, quienes presentan sus aerodinámicas Panton-Vias (2013) y Panton Catuche (2013-14), fruto de su colaboración de diseño ReD (Renunciar, Reinventar, Redimir).

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Thierry Jeannot (México), Transmutación Verde, 2010, materiales recuperados, colorante verde, aluminio, bombillas. Cortesía: Marion Friedmann Gallery. Foto: Felix Friedmann

Rolando Peña (Venezuela), Doble Asiento Barril, 2013-2014, tambor de acero, cuero (bovino), tornillos de metal, goma espuma. Cortesía del artista

Suprarreciclar y replantear objetos

Las obras en esta sección exploran el suprarreciclaje y el replanteamiento como una práctica artística emergente y dinámica, especialmente en São Paulo y Río de Janeiro. Ejemplo de ello es el trabajo de Rodrigo Almeida, que une arte y diseño mientras remezcla elementos preexistentes en nuevas formas; la silla Moeda (2010) de Zanini de Zanine, creada a partir de láminas de metal sobrante de la fabricación de la moneda nacional, y el diseñador Mana Bernardes, cuyo enfoque imaginativo para el reciclaje de plástico se ilustra a través de su lámpara Môbiluz (2011). También destaca en esta sección el candelabro verde Transmutación (2010) del diseñador franco-mexicano Thierry Jeannot, quien crea exquisitos candelabros de botellas de plástico recicladas, así como la obra del artista venezolano Rolando Peña, quien ha creado nuevos asientos de barriles de petróleo especialmente para esta exposición.

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Angello García Bassi (Chile), Cubotoy, 2013, papel Bond de 90 gramos. Cortesía del artista. Foto: Angello García Bassi

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gt2P (Chile), Krina (de la serie Losing My América), 2014, crin. Cortesía: Coletivo Amor de Madre. Foto: gt2P

Cultivar la colectividad y la experimentación

Santiago de Chile y Buenos Aires se han convertido en centros donde los artistas están experimentando con nuevas formas de contar historias a través de la creación de objetos. gt2P, con sede en Santiago, destaca cuestiones en torno a la producción en América Latina mediante la fusión de la artesanía tradicional con las tecnologías de vanguardia, visto en su ambicioso proyecto Losing My Latina, en el que se investigan una producción híbrida mediante la digitalización de la obra de los artesanos populares tradicionales. Mientras tanto, VacaValiente y Satorilab de Buenos Aires han creado obras que examinan la narrativa del diseño como un elemento transformador en la sociedad latinoamericana mediante la exploración de la noción de juego. También se incluyen en esta sección las obras del diseñador chileno Angello Bassi, cuyo Cubotoy (2013) utiliza cifras derivadas de la imaginería de los juguetes populares como vehículos para el diseño.

Desarrollo de nuevos mercados

Las obras de esta sección demuestran cómo las escenas de diseño contemporáneo nacientes en San Salvador y San Juan de Puerto Rico están trabajando en conjunto para llevar el diseño a la vida de sus públicos y así crear un mercado local a través de la educación, el trabajo y la interacción social. El colaborativo El Concepto Zanahoria en San Salvador, por ejemplo, refleja la ambición y vitalidad de nuevos centros de diseño y, al mismo tiempo, se inspira en el estilo de vida local.

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Ernesto Oroza (Cuba), Alamar (de la serie Arquitectura de la Necesidad), 2005, impresión cromogénica. Cortesía del artista

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Coco Fusco (Cuba), La Plaza Vacía, 2012, vídeo monocanal. Cortesía de la artista y Alexander Gray Associates, Nueva York

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Carlos Garaicoa (Cuba), Cancha (parte de la serie Fin de Silencio II), 2012, lana, algodón mercurizado, trevira-cs, algodón, acrílico. Cortesía: Galería Continua

Cuestionamiento de los espacios públicos y identidad

Las obras contempladas en este tema abordan cuestionamientos de los espacios públicos y la identidad en el clima político, siempre cambiante, de América Latina. La serie fotográfica Arquitectura de la necesidad del fotógrafo cubano Ernesto Oroza documenta cómo los ciudadanos readaptan estructuras y objetos existentes para hacer frente a necesidades comunes. También se incluyen en esta sección La plaza vacía (2012), video de la artista cubana Coco Fusco; Fin de silencio (2010), instalación de tapices tejidos en base a patrones de pavimento de Carlos Garaicoa; y las prendas de la diseñadora de moda peruana Lucía Cuba, que exploran narrativas de género. Del mismo modo, Colectivo Cambalache de Bogotá organiza y presenta elementos encontrados de acuerdo con métodos museológicos, un proceso documentado en un video creado por el Ministerio de Cultura de Colombia.

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María Nepomuceno (Brasil), Sin título, 2010, cuerda de plástico sintético, cuerda de sisal; cuentas de plástico de colores; cuentas y recipientes de terracota; fibra de vidrio y piezas de resina; trenzado, teñido y “Palha de carnauba” (heno de carnauba) natural. Cortesía: Colección Tiroche DeLeon Tiroche y Art Vantage PCC Limited

Mover la artesanía hacia el futuro a través de colaboraciones con artistas y diseñadores

En este apartado se analiza la evolución de la colaboración entre diseñadores y artesanos tradicionales que se ha convertido en un tema prominente en la ciudad de México y Oaxaca. Se incluyen acá a la artista Liliana Ovalle, quien trabajó con el Colectivo 1050º (colectivo de alfareros tradicionales de Oaxaca) para crear obras que evocan cenotes urbanos; los diseñadores Carla Fernández y Raúl Cabra (Oax-i-nia), quienes están trabajando con artesanos de Puebla y Oaxaca, respectivamente, para crear moda y diseños para un mercado global que casa lo tradicional y lo contemporáneo; y DFC, que trabaja con artesanos de distintas ciudades –Oaxaca, Morelia, el desierto de Sonora, y pequeños pueblos alrededor de la ciudad de México– para crear el inventario de su empresa de accesorios para el hogar. Del mismo modo, la artista carioca Maria Nepomuceno trabaja con artesanos indígenas del norte de Brasil para crear sus intrincadas y biomórficas esculturas tejidas.

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José Castrellón (Panamá), Erick, Nazareno (de la serie Priti Baiks), 2010, cámara de 6×6, de impresión de chorro de tinta. Cortesía del artista

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José Castrellón (Panamá), Abdelin, El Valle (de la serie Priti Baiks), 2012, impresión de pigmento de archivo. Cortesía del artista

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Abraham Cruzvillegas (México), Autoconstrucción: Low Budget Rider, 2009, madera (pino) encontrada, cuadros y partes de bicicletas, espejos, ruedas de goma, acero inoxidable, cobre, toalla, estaño, soldadura. Cortesía del artista y Kurimanzutto, Ciudad de México

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Pedro Reyes (México), Guitarra, 2013, instrumento hecho de armas destruidas. Cortesía de la Colección Tiroche DeLeon y Art Vantage PCC Limited

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Alessandro Balteo Yazbeck (Venezuela), en colaboración con Media Farzin, Eames-Derivative (versión pequeña). De la serie Cultural Diplomacy: An Art We Neglect, 2006-2013, 1242 tarjetas hechas a la medida, hilo de seda, 5 anuncios de revista vintage enmarcados, cédulas descriptivas a la pared, plataforma de madera y vidrio, accesorios de metal. Cortesía de Henrique Faría Fine Art, Nueva York

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María Eugenia Dávila y Eduardo Portillo (Venezuela), textil fundido, 2013, bronce. Cortesía de los artistas

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María Eugenia Dávila y Eduardo Portillo (Venezuela), Sol de la Tarde, 2013, triple de tejido, seda, fibra de palma moriche (Mauritia flexuosa) del Delta del río Orinoco, cobre. Cortesía de los artistas

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Guillermo Bert (Chile) (tejido por Anita Paillamil), La Redención, 2012, lana, tintes naturales. Cortesía de una colección privada

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Ariel Rojo (México), Talavera Jar, de la serie Losing My Latina, 2014, cerámica de talavera, pintura, esmalte vitrificado. Cortesía de Coletivo Amor de Madre. Foto: Ariel Rojo Design Studio

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Eduardo Sarabia (México), A thin line between love and hate 90, 2005, florero de cerámica pintado a mano, caja serigrafiada. Cortesía: Judelson / I-20 Collection, Nueva York

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