Y me dí cuenta…
¡Carajo, hombre! Quizás esto es el infierno:
Pasar el resto de la eternidad en la jodida Brujas.
-“In Bruges” (2008)

“In Bruges” probablemente es una de las más grandes películas, menos conocidas y demasiado infravaloradas de la historia del cine. Protagonizada por Colin Farrell en uno de sus mejores papeles, sigue a Ray y a su mentor Ken, quienes huyen al pueblo de Brujas en Bélgica después de un asesinato que salió mal. Durante la cinta descubrimos realmente lo que sucedió con ese trabajo, pero también vemos como Ray tiene un fuerte sentimiento de culpa, además de que de verdad odia el lugar en el que terminaron.

La historia es un absoluto drama con elementos de comedia que nos recuerda lo absurda que es la vida, pero hay algo más allá de eso. El filme hace que comencemos a preguntarnos cómo sería el purgatorio si en verdad el cielo y el infierno fueran reales. Esta pregunta existencialista nace a partir de la culpa que siente Ray por el asesinato. No sabe si ascenderá a los cielos con la gente buena o a los fuegos interminables con las malas. Estas preguntas éticas siguen a los personajes a lo largo de la película, y lo integra con un soundtrack un poco aterrador, pero además de eso existe una escena que podría ser la más representativa de todas.

Desde el inicio de la historia Ray está inconforme con que estén en Brujas, mientras que Ken trata de aprovechar todo el viaje, disfrutando las vistas, los museos y la calma que emana esta ciudad de Bélgica. En un trato que hacen juntos, que estipula que Ray podrá salir con una mujer hermosa sólo si primero visitan el museo, ambos personas se encuentran frente a una pintura en tríptico que, aunque no es mencionada por nombre, los conocedores de arte identificarán inmediatamente como: “El último juicio” de Hieronymus Bosch.

Esta obra de óleo sobre madera muestra del lado izquierdo el Jardín del Edén y en el derecho al infierno. En el panel central está Jesucristo como un juez dentro de una esfera celestial flanqueado por ángeles que tocan las trompetas del Último juicio y por sus apóstoles. Debajo de él se se encuentran los castigos de los pecadores a manos de demonios con formas de insecto representando los siete pecados capitales.

No sólo sirve como una metáfora directa y obvia hacia el tema de la película, pero tiene un fuerte impacto en Ray. El centro definitivamente es el purgatorio, donde apenas se escoge a quienes aún no se establecen como “buenos o malos”. El tema principal de la película es ese, el dilema moral de dónde quedaríamos si asesinaramos a alguien por accidente, pero no somos malas personas. Bajo esa línea también se especula que Ray queda atrapado en Brujas, que a su vez sería una versión terrenal del purgatorio, donde sufre tratando de descifrar en dónde terminará, en el cielo o en el infierno.

La cinta no es la única que utiliza el recurso visual de apoyarse en otras obras para mostrar una metáfora prácticamente obvia. A lo largo de la historia del cine podemos encontrar distintas creaciones implementadas en las películas que representan distintos sentimientos. Los siguientes son unos ejemplos que muestran claramente cómo se puede insertar este tipo de elementos para crear un mensaje más conciso.

“Skyfall” (2012) – “An Experiment on a Bird in the Air Pump” de Joseph Wright of Derby

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En la cinta Skyfall de la saga de James Bond que fue dirigida por Sam Mendes, durante una escena de encuentro entre el protagonista y su maestro de cuartel que le ofrece los accesorios clásicos del agente secreto, aparece esta obra detrás de ambos. La película se centra en la “resurrección” de Bond, por lo que la pintura, además de que hace impacto con el diseño de producción, también forma parte de la metáfora de experimentación con un hombre que no sabe que está limitado. El encuentro en el museo también sirve como una forma de mostrar contraste entre ambos personajes. Mientras Bond es el clásico hombre de acción, su maestro de cuartel también llamado “Q” es una persona tecnológica que le tiene miedo a los aviones. Ambos comentan sobre las obras de arte, y mientras Bond las ignora, “Q” las mira con admiración, casi sugiriendo que la metáfora está enfrente de nosotros.

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“I Am Legend” (2007) – “Retrato de Pardy” de Amedeo Modigliani

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En esta cinta postapocalíptica, el personaje de Will Smith colecciona distintas obras de arte. Unas se notan de manera más obvia en la película como las pinturas de Van Gogh, pero esta pintura de Modigliani aparece de forma sutil en una escena corta.  Aunque no tiene un sentido absolutamente metafórico, nos conecta con el protagonista por medio de este gusto por el arte que se implementa de forma muy apropiada.

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“Children of Men” (2006) – “Guernica” de Pablo Picasso

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Además de esta obra de Picasso, aparece también la Venus de Milo (la Afrodita de Milos), como parte de la colección personal de un hombre cercano al gobierno en esta historia donde las personas ya no pueden procrear. Durante la cinta, el protagonista incluso hace referencia al nihilismo de quien es dueño de las obras diciendo que dentro de 100 años no habrá nadie para admirarlas, a lo que el hombre responde “simplemente no pienso en ello”.

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“Amelie” (2001) – “Filmhound” de Michael Sowa


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Como parte del mundo raro dentro de la mente de Amélie, esta pintura hace su aparición en su habitación siendo un elemento de todos aquellos que nos muestran sus excentricidades. Además de que dentro del diseño de producción queda ideal con la personalidad de la protagonista, apenas y es sólo una obra dentro de varias que se convierten parte de la vida de la joven y que nos sugieren que no estamos tratando con alguien común.

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“American Beauty” (1999) – “Substance of Shadow” de Gregg Robinson


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Esta es un poco compleja. Durante la escena en la que Lester renuncia a su trabajo, esta pintura se encuentra en la oficina de su jefe. Podría ser una muestra de lo absurdo de la muerte humana y cómo aunque se mantenga simple como las líneas de la obra, existen áreas complejas dentro de ella que nos definen como individuos. “American Beauty”, aunque no utiliza una fotografía muy explícita o experimental, mantiene este tipo de elementos a raya para parecer más cercana a la vida real de lo que otras películas parecen serlo.

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“Ferris Bueller’s Day Off” (1986) – “A Sunday Afternoon on the Island of La Grande” de Georges Seurat

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En esta clásica cinta, durante la visita en el museo vemos distintas obras pero una resalta entre todas. La tarde de domingo hace un impacto en Cameron, el amigo de Ferris Bueller, ya que busca una calma interna casi imposible de alcanzar. Invadido por la ansiedad, se hace un golpe de comparación entre la obra y el personaje haciendo close-ups hasta que ya no se diferencia lo que estamos viendo y logra hacer que nos preguntemos si alguna vez encontraremos cierta paz en nuestra vida.

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“Inception” (2010) – “Study for Head of George Dyer” de Francis Bacon


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Se hace referencia a esta pintura inmediatamente desde que aparece relacionándola al personaje de Arthur, quien diseñó el nivel de sueño en el que aparecen. Es curioso pensar en que el arquitecto tuvo esa obra en mente tratándose de una película en la que se busca analizar lo más profundo de nuestros deseos y sueños. La complejidad de la mente y el estudio de esta el tema principal de la cinta, por lo que podemos relacionar inmediatamente la pintura con la película.

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“Inglorious Basterds” (2009) – Poster de “The Murderer Lives at Number 21”

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Es sabido que Quentin Tarantino es un absoluto fanático del cine. En todas sus películas podemos encontrar referencias a otras cintas por medio de diálogos o medios visuales. Ya que gran parte de la cinta se enfoca en un cine y en todo lo que se llevará a cabo en él, no es raro que Tarantino haya insertado algunos pósters clásicos de algunas películas antiguas. De hecho en otra habitación aparece otro de “La Noche de los Vampiros”.

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“The Big Lebowski” (1998) – Portada del álbum “In-A-Gadda-Da-Vida” de Iron Butterfly

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Se podría debatir sobre si una portada de disco es considerada obra de arte, pero dentro de “El Gran Lebowski” hace su aparición esta imagen de la banda de rock psicodélico Iron Buterfly. Aunque no tenga un gran impacto en la cinta, nos muestra otro de los gustos del hombre, quien por su condición de hippie, obviamente tendría que tener ese álbum en su colección, además de que aparece enmarcado, lo que es algo raro para un disco de vinyl.

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“A Serious Man” (2009) – “Kadosh Ha Kotel” de Michele Goren

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Esta pintura que parece representar el muro de los lamentos al que los judíos acuden como una forma de respeto a su tradición religiosa, se encuentra en la casa de los Gopnik, simplemente como un recordatorio de la temática celestial que seguimos a lo largo de la cinta. “A Serious Man” se basa parcialmente en el Libro de Job del Antiguo Testamento, por lo que no es de extrañarse que este tipo de referencias se encuentren en el aspecto visual de la película.

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Algunos directores, y especialmente los encargados de la fotografía y de diseño de producción suelen insertar distintas obras de arte en la cintas como una forma de crear una metáfora o simplemente para añadirle atractivo o impacto visual a las películas. Mientras unas utilizan obras originales, otras utilizan las representativas gracias al presupuesto que les permite implementarlas.

Es claro que el soundtrack se puede convertir en un elemento representativo de una obra, pero también el acercamiento a otro tipo de arte, logra un golpe dentro del espectador que abre el panorama para conocer más allá de lo que se mira en pantalla.

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